心路——与杨建正谈《心路》水墨画新秀展

　　
　　
·吴亚鸿／Goh Ah Ang
　　
　　

《贪·痴》　陈艾霙

　　
　　

　　话说10年前，杨建正与我受邀出席《心路》水墨画新秀作品展的交流会。

　　当时， 从8位新秀的作品中，看到他们都在尝试用自己喜爱的题材去创作，
技巧的表现也各有不同。可在评论会上，发现建正和我的观点有差异。

　　以下是交流内容笔录，希望与水墨画爱好者一起来分享。


杨建正（杨）　　　吴亚鸿（吴）　

杨　　：我是以专业画家的身份来和大家谈画。首先我不发表任何意见，先由你
　　　　们来发问。你们要尽量把握这个难得的见面机会，因为我常把时间保留
　　　　给自己，我的时间都用来阅读、思考和创作的。

观众　：请您对八名新秀的作品发表您的看法。

　　
多观察多写生

杨　　：从这些作品中，我可以知道画者对物体的写生缺乏经验，对主题缺少观
　　　　察。荷花、荷叶、蜜蜂、红毛丹等的造形和生态结构都掌握得不理想。
　　　　水墨绘画除了注重笔墨的表现外，更重要的是画者对绘画主题有充分的
　　　　认识和了解。多观察和常作写生是必要的，作画之前要多参考资料，才
　　　　能画出好的作品。一个画者对基本造形掌握不好，不能谈创作，更不能
　　　　谈美。

观众　：西方绘画艺术着重形式与色彩的表现，东方绘画则偏向精神和内涵的表
　　　　达，对于这一点，杨先生什么意见？

杨　　：东方艺术是讲究精神内涵没错，但我还是强调基本功是非常重要的。就
　　　　以右边的这幅作品为例子，小鸡与蜗牛的眼睛，为什么画得那么大？鸡
　　　　脚为何画得那么长，而且瘦得没有肉？我看画者是没办法解释的，假如
　　　　无法讲出自己所要表达的含意，哪里还能谈精神与内涵呢？

观众　：杨先生，有一些作品是不用解说的。

杨　　：讲不出来就是没有思考。没有内容，才无法用语言传达。像这样的作品
　　　　只是偶得的，画者很难继续画下去，而且会停滞在某个阶段。


《天伦乐》　陈雨彬

用感觉去体会与欣赏

观众　：不能言传并不代表没有思考，有些作
　　　　品是要靠感觉去体会、去欣赏它的
　　　　美。（无 声）

吴　　：我个人对这幅《小鸡与蜗牛》的作品
　　　　还蛮喜欢，也能产生共鸣。画者把小
　　　　鸡与蜗牛的眼睛画得大大，夸张得很
　　　　有趣，用笔用墨还算自然。它似乎又
　　　　告诉我们从小就要不时睁开双眼，带
　　　　眼识人，多多关心生活周遭的事。
　　　　有一则禅师公案：“一只小黄鹂飞出
　　　　觅食。回来时母鸟问：可有吃饱？看
　　　　到什么？又听到什么？小黄鹂答吃得
　　　　很饱，但没看到什麽；也没听见什么
　　　　。母鸟说：“除了吃，你还应该多看
看多听听。第二天，小黄鹂回来报告：我看到
池塘边有只老得不能动的白头翁，我把食物给
了他。我还听见黄莺的歌声很悦耳，我要向他
学习。母鸟说：你可以独立生活了，因为你知
道如何生活。”吃是为了生活，生活不只是为了吃。我想画画亦是如此。
　
杨　　：一幅画要引起共鸣，首先，画者必须要有很好的画功，如用笔、线条一
　　　　定要很有功力，物体的造形与结构要准确，而且，画者必须懂得如何解
　　　　说自己的画，才有说服力。其实会场展出的每一幅作品都有缺点。

观众　：一幅好的画是不用解说的，不需要文字来传达就能与观赏者沟通，一幅
　　　　画不用刻意去说服别人的。

吴　　：对于欣赏画，个人认为所谓“视觉语言”的绘画艺术，一幅画主要是通
　　　　过造形、色彩和内容去和观赏者沟通，语言只不过是一座桥梁。

　　
作品内涵从历史开始

杨　　：要画出有内涵的作品，你们要多读历史，中国的历史那么悠久，一定有
　　　　一些适合你们的题材。身为一个专业画家，我的要求很严格，对创作也
　　　　很严肃。就拿我的秦俑系列来说，题材虽是采用秦代的古物，但它代表
　　　　着华人的权利和地位的象征。我的画面，背景不是一片单纯的墨色，而
　　　　是一层又一层敷上墨彩，很有空间感。里头藏着无穷的变化，就好像对
　　　　观赏者讲着一个个故事。我将画面涂满，已突破了传统水墨画的留白，
　　　　同时也有实际作用。水墨画留白的部分，往往会因时间一久而出现黄色
　　　　斑点，这些问题在我的画面就不会出现。因此，我认为创作是要很严肃
　　　　的。

吴　　：绘画艺术所追求的放心和赤子心的理念，我很推崇。
　　　　有一回，清朝画家任伯年府上雅集，出席者都是能书擅画之士，唯有一
　　　　位只懂书法、不擅绘画的吴昌硕。会上，任伯年邀每位现场挥毫作画，
　　　　吴氏亦不可例外。吴昌硕举笔以书写手法完成作品。任伯年巡视会场所
　　　　有的佳作，看后认为吴昌硕画得最好。
　　　　他说：“好，好在不会画。”
　　　　好一句“好，好在不会画”，这传达了艺术创作是要有赤子心和放心
　　　　的。

杨　　：你们知道Picasso吗？我们来谈谈Picasso的创作。他后期的作品虽然很
　　　　抽象，但早期的作品都显示了他的深厚绘画功底。绘画基本的技巧一
　　　　定要有，就如我们要懂得词汇，才能造句，才能写文章。


适时放下形式化技巧

吴　　：无可否认，基础的掌握是非常重要，但到了某一个时候，应把太形式化
　　　　的技巧的包袱放下，那才能有所突破。伟大音乐家贝多芬，最好的曲子
　　　　“生命交响曲” 是他在失聪之后所写的。他是以感觉而非听觉来创作
　　　　，因为破格创作，结果得到意想不到的效果。我认为绘画创作也可以这
　　　　样。

杨　　：只要你们勤于练习，你们也能成为专业画家。作为一个画家，你要很自
　　　　私，很贪心。每一个画展都要去看，每一幅画都要仔细地看，多作思考
　　　　，才能使自己充实。
　　
吴　　：我看8位新秀都能透过他们的“视觉语言”来传达自己的心路。虽然他
　　　　们的技法不是很纯熟，以后也不一定要当画家，但无可否认在学习过程
　　　　中所得到的美的知识和熏陶，往后可以运用在他们的生活中。

　　
　　交流会过后，还听到观众不少的回响。有者认为这样直接地指出作品的好坏，
能够让绘画的门外汉也懂得如何去看一幅画；有者觉得应该提供一些建设性的评
语，给予初学者一个明确的方向，会比一味的批评来得更实际；有者则认为应该
从一个比较包容的角度，引导观赏者自由的遨游在画家的绘画天地里。

　　对这个交流会，我也有一些的感触。8位新秀啼声初试，往后还有很长远的路
要走。任何的打击或挫折都可能使他们一蹶不振。人人都有缺点，差别是缺点的
大小，或多少。就如缺了一角的杯子，还能用吗？其实，除了那微小的缺角之外，
整个杯口都还是圆的。

　　

非常道----周靖化的水墨画

• 吴亚鸿／Goh Ah Ang　　
  
  
  

《弹珠》

《泊位》

　　常言有道：路是人走出来的，只要看清自己的方向，迈开脚步，就能走出一道路来。

　　我想，艺术之道也是如此，走出一道属于自己的路是非常重要的。

　　记得在20年前，班上有位名叫靖化的男生对我说：“老师，我不知要画什么才好！”

　　“就从生活中去找呀！那些能感动你的，都可以成为好的绘画题材。” 我说。

　　说罢，脑子浮现了一帧沙漠玫瑰（俗称富贵花）的摄影作品。那是自己曾经在老家屋前，瞧着一株盛开的沙漠玫瑰，感动之下所拍摄的。我认为这个题材非常适合一向喜欢细腻描绘的他。于是我说：“这照片也许可以作为你的参考资料。”

　　一星期后，靖化画了一幅艳阳下的沙漠玫瑰，我看了很喜欢，赞叹地说：“画得真好，尤其是那一片土地的描绘，充分表现出土壤的质感，很精彩。”

　　然后，我又对他说：“以前的小孩，常常喜欢在泥沙上嬉戏作乐。我想，你可以把这块土地变成自己的创作天地，画出一些儿时的记忆。”

　　当年，靖化的那幅题名为《中午》的沙漠玫瑰作品，曾经被甄选编入1989年中华大会堂的《大马华裔画家作品集》中，这个肯定给了他很大的鼓励，也让他决定要走绘画这条路。

《五颗红弹珠》

　　
　　从此，一系列的地面上的‘弹珠’、‘落叶’、‘ 票根’等水彩画作品，不断出现在这位年轻人的笔下。当中，最让人留下印象的莫过于马路上的玻璃弹珠，他也因此被冠上“弹珠画家”的美誉。

　　后来，由于对生活的体验和感悟，靖化的绘画创作思路更为广阔，表现手法也臻熟练。因此，他大胆地改变创作素材，以水墨作为媒介，将一道道的路与一颗颗的弹珠画在宣纸上。这样的创作手法难度较高，但他却能得心应手，巧妙地呈现出极佳的视觉效果，让人耳目一新。

　　2003年，靖化就凭着《漫漫长路》水墨画作，成为莎亚南画廊常年美展中的5位优秀画家奖得主之一。这项荣誉得来并非侥幸，我们可以看到，十多年来，靖化孜孜不倦地为自己的创作理想，付出许多的努力和心血，才能走出今日这道属于自己的路子来。
　
　　我认为靖化的《漫漫长路》系列作品，已成功运用了平面设计构成原理，营造出丰富的视觉画面。他将那透澈晶莹的玻璃弹珠画在粗糙的马路上，给人看到对比美学的悦目效果，更可取的是，他通过一条条的道路，道出纷耘繁冗的众生现象，画面流露文人画的赏心美感。

　　在看靖化的作品时，我们不仅用眼睛去欣赏，而且还要用心去体会。因为靖化的画中之“道”，不论是大道或小道，道是道，非常道。

　　

菱镜之窗——杨六南的水彩画

• 吴亚鸿／Goh Ah Ang　　

　　

《吉胆岛一景》 　　水彩

　　
　　画家杨六南在他的画展之前，到巴生来找我，带来了一些作品和照片，让我先睹为快。

　　在欣赏他的作品时，六南说到：“有人说我把简单的景色画得很复杂。”

　　六南画中无数的斑点和色块，看起来好像将明朗简洁的景物复杂化了，甚至是有点被‘破坏’的感觉。

　　往往，有‘破坏’就有发现，有发现也才会有新的创建。绘画如此，大自然现象也是。

　　日本小林秀雄在《近代绘画》中曾经写过这样的一段话：“所谓颜色，就是被破坏的光线。……太阳的光和地面冲突、溃散，将整个地球染上亮丽的色彩。如果光完全被破坏的话，我们就可以在天空中看见彩虹。因为骤雨后无数的水滴，可以变成天然的三菱镜，反映出美丽的彩虹……。”

　　光在视觉上非常重要，牛顿说：“我们看到色彩，是因为有光。如果世界没有光，眼睛就看不到东西，就没有什么色彩可言。因为有光，有三菱镜，我们可以看到彩虹。”

　　六南的双眼就像三菱镜一样，将平庸的景物，分解成细小的色彩粒子和色块，因此他的画面多了一些平凡的眼睛所看不到的色彩，一点点一块块地分布在画面。这种有安排的块状点描与赋彩，带来无限的视觉效果。

　　画中的一切，都不是日常所见或相机镜头所捕捉的真实景象，而是由许多大块小块的色彩集合而成的。这些看似中世纪艺术中镶嵌画或是电脑银幕上图片放大的效果，有一种若即若离的感觉，营造出独特的视觉美感。

　　我总觉得，艺术创作贵在于“单纯中求丰富性，在繁复中求整体性”。

　　六南的画，表面上看来像是将简单的景色复杂化了，但事实上却是宁静致远。
　　
　　

为文健鼓掌——《昔日情怀》水彩画展观后感

　　

·吴亚鸿／Goh Ah Ang

　　

《下午茶》

　　

《天福宫》　

　　到仁嘉隆佛光山东禅寺的佛光缘美术馆看邓文健《昔日情怀》水彩画展，只因为欣赏这位青年画家的艺术才情与执著。

　　在佛光缘美术馆看画是一种享受，清幽的环境，敞宽的空间让人流连忘返。

　　文健的３８幅展出作品，让我看了好久。朋友说：“是不是因为自己的怀旧情结，所以喜爱他的画？”

　　“欣赏画作，‘移情’往往会削减审美的能力。”我说。

　　画家《昔日情怀》系列作品中的古厝、庙宇、街道、巷口、旧楼、茶室、台前与台后等作品，在本地艺坛可说是常见的题材。

　　虽然如此，我还是喜欢。

　　看文健的作品，首先是被画面简练概括的造形所吸引，其次是果断的线条，变化的色彩的和设计的构图。

　　邓文健是一位基础扎实的画家，他的速写，用笔得心应手；他的色彩，用色透澈明亮。作品给人一种感觉，好像线条还在颤动，水彩还在渗透，是充满活力的。

　　如果您亲睹了他的画作，或许也会为这位青年画家鼓掌，甚至认同，在文健的笔下，通俗的题材，也能展现强烈的感染力和典雅的气息。

　　在艺术创作里，重点不在于你画什么，而是你怎样去画。我认为。


　　
　

刀下留情——写吕辉南的油画

• 吴亚鸿／Goh Ah Ang　
  　　　
  

吕辉南作品
　　
　　
　　

　　一位学员带了一束孔雀的尾羽到课堂来，这些羽毛，色彩斑斓夺目，非常美丽。

　　当时，我们冒出一个奇怪的想法：如果将一根羽毛分解的话，所见又将是如何？

　　结果竟然发现到，从羽轴上拆下来的羽枝显得那么脆弱，每一枝都只不过是平淡无奇的色素，见不到之前的光彩。

　　可见，美与丑不是绝对的。美丽的色彩是由于有互相的辉映、互相的对比所营造的。

　　从色彩学的角度来分析，色相中不同程度的冷暖明暗，各散发不同的效果。暖明之色给人有夺目扩张的感觉，而冷与暗的色彩却有收缩深远之感。由于色彩的不同色相、明度、彩度的错综组合，我们周围的色彩才显得奇妙无穷。

吕辉南作品

　　绘画艺术着重造形与色彩的表现，因此，色彩在美术创作中是重要的。

　　当我翻阅画家吕辉南的画册时，发觉他善于运用绚烂艳丽的色彩，强调光与影的捕捉，作品刻画时间与气氛的表现，营造出极佳的视觉美感。

　　吕辉南的画，有些是画他家乡的所见所闻，如乡间的小路、简朴的村庄、码头渔村等；有些则是大城小镇、街头巷尾、古老建筑的写景，题材都相当的本土。不论是早晨、中午或傍晚，任何时间任何地点，他都一律以油刀来表现，因此画面上的刀痕呈现丰富的肌理，给人一种厚重豪迈的感觉，作品很有气魄。

　　吕辉南喜以油彩作画，爱以画刀传情，表现手法是属于印象派的。

吕辉南作品

　　

　　翻到画册的封底那一页，目光被一幅作品吸引了。辽阔的画面，远远的蓝天配上前方明暗有致的绿色草原和那些远远近近的牛群相映成趣，非常耐看。看着那幅作品，似乎感觉到“天苍苍地茫茫，风吹草低见牛羊。”的一种宁静致远的意境。方寸之间，却是蕴含着一股浩然之气。

　　将天地纳入方寸之中，抑或用画描写方寸之物，这些是画家的本能。

　　在刀光色影相映之中，如果能够适时地‘刀下留情’，一把小小的画刀，还真可以留下许许多多的情与物。

永远的乃群

　　

• 吳亞鸿／Goh Ah Ang
  
  
  

《峇厘风景》　黄乃群水墨画　1995

　　


　　写画家黄乃群老师，我想从桌面上的几粒饭谈起。

　　记得有一次，黄老师与我们几位画友一起用餐。几道菜后，一位朋友突然说到：“黄老师，您吃了这么多年的饭，怎么吃成这个样子？您看，满桌都是饭粒！”

　　黄老师幽默地说：“你没看到我拿筷子好像握笔一样？当然吃出这个样子啦！”接着他又说：“我不讲你，你讲我，告诉你，饭可以乱吃，话可不能乱说，画画更不能乱乱画。”

　　对方静了下来，头低低，继续吃饭。

　　黄老师的回应，让我留下深刻的印象。黄老师这个人真潇洒，吃饭也不忘画画。好几次有机会跟他同桌，看他吃饭，碟子就如他的调色盘，菜肴就像是色彩，一双筷子在不同的菜色盘中来来去去，一下子就说吃好了。

　　看他画画亦是如此，画纸摊开，信手拈来，随意点染，皆成佳章。有时，旁观者还来不及看清楚画已好了，真是令人拍案叫绝。

　　用吃饭的心情画画，用画画的心情来吃饭，那是多么容易却又多么不容易的事。对一位虔诚的画家如黄老师而言，画画与吃饭是同等重要的。事实上，画画与生活是分不开的。

　　黄老师为人不拘小节，画起画来却是认真非常。他虽贵为我国资深的画家，生前一直都强调好的艺术创作是建立在好的基础上。因此，他老人家每次出门旅行，都会随身携带速写簿以代替摄影机。他总觉得，现场写生才有感觉，才够真实，才能抒发内心对景物感动的激情。更重要的是，他认为速写是一切美术的基础。

　　最近，再拜读黄老师的一系列遗作，深深体会到言行一致是成功的阶梯。黄老师是一个说得到做得到的人，他常说的扎实画功、画风稳健，独特风格和豁达的人生观，都一一展现在他的作品中。

　　喜用大笔挥写，再以细腻笔触勾勒主题，是黄老师的绘画特色。他的泼墨大笔，看似粗枝大叶，实是胸有成竹。他的细腻小笔，并非雕虫小技，而是行云流水般的潇洒。看他的作品，虽是寥寥数笔，竟能意趣横生，让人如沐春风，予人一种清新舒畅的感觉。尤其是看到画面上的留白，更体现了东方美学的‘空白’。空是更大的谦虚，也是更大的骄傲。

　　画画画得像吃饭那样轻松，吃饭吃得像画画那么写意，画坛上能有几人。

　　黄老师，您乃画家群中的佼佼者，永远是艺坛的骄傲。


　　 　

回归自然 宁静致远（写台湾一代画家吴隆荣印象）

• 吴亚鸿／Goh Ah Ang

《无上菩提》　吴隆荣

　　“艺术必须不断创造才有新的生命，有了生命，艺术才能产生力量，才能持久，才能感动人。”

　　30年代台湾新美术运动家谢里法说了以上这番话。对于艺术工作者而言，这番话就是至理名言，持久，感动人。这番话，亦是台湾一代画家——吴隆荣的座右铭。

　　不久前，笔者出席了台湾第26届世界儿童画展评审，在台湾省立美术馆欣赏了《吴隆荣回顾展》，这是一个美感与意境交融、挚情流露的美术展。

　　画者相重，更何况吴隆荣的画展深深吸引了我这时时为艺术发烧的画者，将吴隆荣及其作品推介予艺术爱好者，亦给自己带来一份喜悦。

　　在艺术生命中，吴隆荣有他值得骄傲的一页。“做一个现代画家是件严肃的事，而创作应该是居于发自内心的需要。”吴隆荣不仅重视个人作品的艺术性，更身体力行，积极运作各个美术组织，推展美术活动。他认为：艺术是多元化的，是社会化的，更是生活化、人性化的。

　　吴隆荣投身教育工作，学校的职务让他精疲力尽却无阻于他的艺术热诚，他仍然忘情地创作、创作。是故，自1963年开始，吴隆荣几乎在每年的台湾各类美展中频频获奖。

　　他坚信艺术与生活相结合，他作画的方法是“先对某一特定的对象，作深入的观察，然后予于描写、分析、统整过后，定某个特定部位，作各种形体焦点的陈述，再以辐射般地加以解体、重叠、配合，并注入视觉效果。”

　　他告诉笔者：“基本上，我所表白的是最真实的自己。我强调从自我出发，而却归返传统自然怀抱。”

　　在艺术领域里，吴隆荣已开拓了自己的一片天空。他的创作极丰，尤其热忱油画，其作品取材于大自然，以分割画面的独特风格，表现对大自然的热衷。

《白鸽献瑞》　吴隆荣

　　在他的系列作品中，有大部份以动物为主要表现题材，如：＜林间的聚会＞、＜天鹅戏荷图＞、＜白鸽献瑞＞、＜人间物语＞、＜猴来居士＞等。其作品画面予人宁静致远的温柔感觉，让人观后自觉心胸宽敞，静谧安详。

　　以人物为主题的系列包括＜普渡众生＞、＜思＞、＜京戏＞、＜虔诚＞、＜清静无染＞等。在此系列中，画家偏爱佛像的绘画。由此，可窥知画家亦深具佛性，借重佛的庄严宝相，呈献人生的真善美。

　　＜九份眺远＞、＜黄土地的感动＞、＜塞纳河畔＞等，乃画家以风景为主要表现题材系列里的部分作品。画家冀望观赏者能通过其作品，领会穿透时光走廊的情感，体验顺流不息的生命。

　　画家说：他的作品完成度约百分之八十至九十，留下的空间给予观赏者自己再发挥想象。他强调：美的自律性就是追求感性与理性的境界，与人性的真善美一样，是人类历史上伟大的成果。

　　艺术所讲究的，不只是限于画面的装潢，作品背后的画家美丽的情操与审美观、冀求美感的心灵，能唤起更多共鸣的心，酝酿为社会文化的营养成分。

　　吴隆荣，他做到了！



　　原载南洋商报艺术空间（19-10-1995）